24. Enero 2012 por admin.

En este video se muestran los diferentes tipos de pezones que hay por el mundo.

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19. Enero 2012 por admin.

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18. Enero 2012 por admin.

La diseñadora de moda femenina y canina Ewa Byczkiewicz , realiza un curso de diseño de ropa con glamour para mascotas ,en la prestigiosa escuela ADR moda.

Los trabajos de Ewa Byczkiewicz pueden verse y comprarse en tiendas como “Casual And Chic” Avenida Infante don Luis 6 , Boadilla del Monte y en “Yorky’s” calle Claudio Coello 113 Madrid.

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14. Enero 2012 por admin.

La noche de los muertos vivientes es una película de terror de 1968 dirigida por George A. Romero. Fue protagonizada por Duane Jones, Judith O’Dea y Karl Hardman. Tras su estreno, la cinta fue criticada por su violencia gráfica, pero con los años fue influyendo en el género de las películas de terror y el subgénero del cine de zombis. La trama se centra en un grupo de personas que se refugia en una granja luego que los muertos comienzan a cobrar vida.

La noche de los muertos vivientes se abre con dos hermanos discutiendo, Johnny y Bárbara, quienes han conducido hasta las afueras de la ciudad hacia un cementerio para colocar una guirnalda en el sepulcro de su padre. Un hombre pálido se encamina hacia los dos, atacando a Johnny. Bárbara corre alejándose sumida en el miedo, logrando llegar a una casa abandonada con un cadáver en las escaleras.

Más adelante, Ben (interpretado por Duane Jones) llega a la casa, y aleja a varios hombres pálidos que se han acercado. A través de informes de radio y televisión se explica que por una extraña razón los muertos comenzaron a “volver a la vida” (al parecer como consecuencia de un satélite que estaba realizando labores de investigación en Venus) y buscan víctimas humanas para alimentarse; también mediante estos informes nos enteramos que los zombis sólo pueden ser puestos fuera de combate por un tiro directo o un golpe pesado en la cabeza.

La película fue liberada al dominio público debido a la negligencia del distribuidor original, la Walter Reade Organization, al no incluir un aviso de derecho de autor apropiado en las impresiones que distribuyó. En ese tiempo, la Ley de Derecho de Autor de Estados Unidos exigía que las obras tuvieran un aviso apropiado para mantener el derecho de autor.17 La compañía Image Ten de hecho había puesto tal declaración en los créditos originales de la película, cuando se titulaba Night of the Flesh Eaters, pero Reade eliminó la declaración cuando cambiaron el título.

Night of the Living Dead is a 1968 American independent black-and-white zombie film and cult film directed by George A. Romero, starring Duane Jones, Judith O’Dea and Karl Hardman. It premiered on October 1, 1968, and was completed on a USD$114,000 budget. After decades of cinematic re-releases, the film was a financial success, grossing $12 million domestically and $18 million internationally. Night of the Living Dead was heavily criticized during its release because of its explicit content, but received critical acclaim and was selected by the Library of Congress for preservation in the National Film Registry as a film deemed “culturally, historically or aesthetically significant.” The film entered the public domain due to an error by the distributor.

The plot of the film follows Ben Huss (Duane Jones), Barbra (Judith O’Dea), and five others trapped in a rural farmhouse in Pennsylvania while the house is attacked by reanimated corpses, commonly known as ‘ghouls’ or ‘zombies’. Night of the Living Dead is the origin of five other Living Dead films directed by George A. Romero .

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14. Enero 2012 por admin.

El circo (The circus) es una película estadounidense cómica de 1928, dirigida, producida y protagonizada por Charles Chaplin. Gracias a ella, Chaplin ganó un Óscar en 1928.1 Es protagonizada por Al Ernest Garcia, Merna Kennedy, Harry Crocker, George Davis y Henry Bergman.

La película muestra al personaje Charlot de Charles Chaplin siendo perseguido por un oficial de policía, tras haber sido confundido con un carterista. Al correr hacia la carpa principal de un circo en un intento de escapar la ley, los dueños allí confunden su huida como parte de un acto. Como reconocen los beneficios potenciales, Charlot es contratado en el circo, aunque pronto es evidente que no puede ser divertido a propósito, sino solamente de manera espontánea.

En cada función, a causa de su torpeza, desencadena la hilaridad del público y se convierte en la estrella del espectáculo. Charlot se enamora de la bella Merna, hija del director del circo, pero ella prefiere a Rex, el funámbulo. Charlot sabrá aceptar esta decisión y provocar su unión antes de abandonar el circo.

he Circus is a 1928 silent film written and directed by Charlie Chaplin with Joseph Plunkett as an uncredited writer. The film stars Chaplin, Al Ernest Garcia, Merna Kennedy, Harry Crocker, George Davis and Henry Bergman. The ringmaster of an impoverished circus hires Chaplin’s Little Tramp as a clown, but discovers that he can only be funny unintentionally, not on purpose.

At a circus midway, the penniless and hungry Tramp (Chaplin) is mistaken for a pickpocket and chased by both the police and the real crook (the latter having stashed a stolen wallet and watch in the Tramp’s pocket to avoid detection). Running away, the Tramp stumbles into the middle of a performance and unknowingly becomes the hit of the show.

The ringmaster/proprietor of the struggling circus gives him a tryout the next day, but the Tramp fails miserably. However, when the property men quit because they have not been paid, he gets hired on the spot to take their place. Once again, he inadvertently creates comic mayhem during a show. The ringmaster craftily hires him as a poorly paid property man.

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11. Enero 2012 por admin.

El gran dictador (en inglés The Great Dictator) es una película estadounidense de 1940 escrita, dirigida y protagonizada por el británico Charles Chaplin. Se estrenó en Nueva York el 15 de octubre de 1940 y en Londres el 16 de diciembre de 1940. El largometraje recibió cinco nominaciones en la 13ª edición de los Premios Óscar, sin embargo no ganó ninguno.

Al final de la Primera Guerra Mundial un soldado del ejército de Tomania, al salvar la vida del oficial Schultz en su avión, sufre un accidente y pierde la memoria, permaneciendo en un hospital por 20 años. Cuando, todavía amnésico, escapa del hospital, regresa a su ciudad, donde abre de nuevo su antigua barbería ubicada en el Ghetto. Los tiempos han cambiado. El país es gobernado por el dictador Adenoid Hynkel, y existe una brutal discriminación contra los judíos.
Hynkel “juega” con un globo terráqueo
Escena del discurso final

Una de las jóvenes del Ghetto, la bella Hannah, defiende al barbero cuando es acosado por miembros de las fuerzas de seguridad de Hynkel. Ambos se enamoran y deben sufrir los atropellos de la dictadura, aunque tienen el respiro de tener la protección de Schultz, que reconoció al barbero, y de un corto periodo de paz con los judíos mientras Hynkel trata de conseguir financiamiento de un banquero judío para sus ambiciones de dominación global.

El rechazo del préstamo por parte del banquero judío motiva la reanudación de la opresión en el Ghetto, Schultz cae en desgracia por encararle su falta de humanidad al dictador y de ocultarse con los judíos. La persecución produce que el barbero y Schultz sean enviados a un campo de concentración.

The Great Dictator is a comedy film by Charlie Chaplin released in October 1940. Like most Chaplin films, he wrote, produced, and directed, in addition to starring as the lead. Having been the only Hollywood film maker to continue to make silent films well into the period of sound films, this was Chaplin’s first true talking picture as well as his most commercially successful film.[1] More importantly, it was the first major feature film to bitterly satirize Nazism and Adolf Hitler.

The film begins during a battle of World War I. The protagonist is an unnamed Jewish private (Charlie Chaplin), a barber by profession, and is fighting for the Central Powers in the army of the fictional nation of Tomainia (an allusion to ptomaine poisoning), comically blundering through the trenches in combat scenes. Upon hearing a fatigued pilot pleading for help, the private attempts to rescue the exhausted officer, Commander Schultz (Reginald Gardiner). The two board Schultz’s nearby airplane and fly off, escaping enemy fire in the nick of time. Schultz reveals that he is carrying important dispatches that could win the Tomainian war. However, the plane loses fuel and crashes in a marsh. They both survive, but the private suffers from memory loss. As medics arrive, Commander Schultz gives them the dispatches, but is told that the war has just ended and Tomainia lost.

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8. Enero 2012 por admin.

La quimera del oro (The Gold Rush) es una película estadounidense de cine mudo escrita, dirigida, producida y protagonizada por Charles Chaplin. Fue estrenada el 26 de junio de 1925.

En 1942 fue reestrenada en versión sonora, con un nuevo acompañamiento musical y narración en off del propio Chaplin, y recibió dos nominaciones a los Premios Óscar: mejor sonido y mejor banda sonora.

Chaplin, en su personaje del vagabundo, se encuentra en Klondike, atraído por la fiebre del oro. Una tormenta aparece y se ve obligado a buscar refugio, encontrando una casa aislada en las montañas, habitada por un asesino fugado, Black Larsen. Y si bien éste trata de echar al vagabundo, el huracán impide a Larsen esa tarea, trayendo además a otro huésped, el gigante Mac Kay. Tras una pelea en que queda inutilizado el rifle del fugitivo, los dos huéspedes logran quedarse.

Pronto les afecta el hambre, deciden que uno salga a buscar comida, y por tocarle el número más bajo entre unos naipes sacados al azar, Larsen es el elegido. Al ser encontrado por unos policías, los matará y robará su trineo, abandonando a Mac Kay y Charlot a su suerte. Los dos abandonados sucumben ante el hambre, el vagabundo prepara uno de sus zapatos, mientras Mac Kay ve visiones y cree ver en su compañero una gallina, tratándolo de comer. Será un oso, cazado por fortuna al ingresar en la cabaña, quien les salve la vida.

Al finalizar la tormenta cada uno sigue su camino. Mac Kay se dirige a una mina de oro que encontró, pero se encuentra que Larsen ya había encontrado su concesión y por tal motivo éste lo golpea haciendo que pierda la memoria. El vagabundo, por su parte va al pueblo, y atraído por las luces, entra en el cabaret, donde conoce a la bella Georgia, quien decide bailar con él, sólo para sacarle celos a Jack Cameron, el donjuán del cabaret, que la desdeña. Una pelea entre los dos hombres se produce, en el que Charlot sale como azaroso ganador luego que un reloj le cayera en la cabeza a su rival, sin verlo él y creyéndose justo vencedor.

Para poder sobrevivir, se finge muerto para despertar la solidaridad del ingeniero Hank, quien lo revive y le da de comer, encargándole después el cuidado de la casa mientras él va en busca de oro. Mientras Georgia y sus amigas juegan en la nieve, resultando Chaplin víctima de las bolas de nieve por accidente, entran en la casa y para divertirse con él le prometen ir a cenar con él para Año Nuevo.

The Gold Rush is a 1925 silent film comedy written, produced, directed by, and starring Charlie Chaplin in his Little Tramp role. The film also stars Georgia Hale, Mack Swain, Tom Murray, Henry Bergman, Malcolm Waite.

Chaplin declared several times that this was the film that he most wanted to be remembered for.[1]

Though a silent film, it received an Academy Awards nomination for Best Sound Recording (see re-release below). In 1953, the film entered the public domain (in the USA) due to the claimants failure to renew its copyright registration in the 28th year after publication.

The Tramp (Charlie Chaplin) travels to the Yukon to take part in the Klondike Gold Rush. Bad weather strands him in a remote cabin with a prospector who has found a large gold deposit (Mack Swain) and an escaped fugitive (Tom Murray), after which they part ways, with the prospector and the fugitive fighting over the prospector’s claim, ending with the prospector receiving a blow to the head and the fugitive falling off a cliff to his death. The Tramp eventually finds himself in a gold rush town where he ultimately decides to give up prospecting.

After taking a job looking after another prospector’s cabin, he falls in love with a lonely saloon girl (Georgia Hale) whom he mistakenly thinks has fallen in love with him. He soon finds himself waylaid by the prospector he met earlier, who has developed amnesia and needs the Tramp to help him find his claim by leading him back to the first cabin.

One sequence was altered in the 1942 re-release so that instead of the Tramp finding a note from Georgia which he mistakenly believes is for him, he actually receives the note from her. Another major alteration is the ending, in which the now-wealthy Tramp originally gave Georgia a lingering kiss on board ship; the sound version ends before this scene. Now, the two share a romantic moment by the old house.

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7. Enero 2012 por admin.

Programa de cine producido por José Javier Arce , para www.televisionalternativa.com .

La dama de hierro , Una boda de muerte , Atraco por duplicado ,Sherlock Holmes , entrevista Meryl Streep , trailers , estrenos y mucho más….

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3. Enero 2012 por admin.

La novia de Frankenstein (1935) es una película de terror y ciencia ficción dirigida por James Whale. Es la secuela de Frankenstein (1931) y está protagonizada, de nuevo, por Boris Karloff y Colin Clive.

El monstruo (Boris Karloff) y el doctor Frankenstein (Colin Clive) han sobrevivido al incendio. El primero se refugia en el bosque y el segundo descansa en casa, donde recibe la visita del doctor Pretorius (Ernst Thesiger), el cual le propone repetir el experimento: esta vez con la intención de crearle una novia (Elsa Lanchester) al monstruo.

On a stormy night, Percy Bysshe Shelley (Douglas Walton) and Lord Byron (Gavin Gordon) praise Mary Shelley (Elsa Lanchester) for her story of Frankenstein and his Monster. Reminding them that her intention was to impart a moral lesson, Mary says she has more of the story to tell. The scene shifts to the end of the 1931 Frankenstein.
Villagers gathered around the burning windmill cheer the apparent death of the Monster (Boris Karloff, credited as “Karloff”). Their joy is tempered by the realization that Henry Frankenstein (Colin Clive) is also apparently dead. Hans (Reginald Barlow), father of the girl the creature drowned in the previous film, wants to see the Monster’s bones. He falls into a flooded pit underneath the mill, where the Monster — having survived the fire — strangles him. Hauling himself from the pit, the Monster casts Hans’ wife (Mary Gordon) into it to her death. He next encounters Minnie (Una O’Connor), who flees in terror.

Bride of Frankenstein (advertised as The Bride of Frankenstein) is a 1935 American horror film, the first sequel to Frankenstein (1931). Bride of Frankenstein was directed by James Whale and stars Boris Karloff as The Monster, Elsa Lanchester in the dual role of his mate and Mary Shelley, Colin Clive as Henry Frankenstein and Ernest Thesiger as Doctor Septimus Pretorius.

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2. Enero 2012 por admin.

El acorazado Potemkin (Броненосец Потёмкин, o Bronenósets Potiomkin, en ruso), es una película muda de 1925 dirigida por el cineasta soviético Serguéi Eisenstein. Se la considera una de las mejores películas de la historia cinematográfica.

El acorazado Potemkin es una película parcialmente basada en hechos reales, que acontecieron en el puerto de Odesa (Ucrania) durante la semana del 26 de junio de 1905.
Póster promocional.

Los marineros del acorazado Potiomkin, hartos de malos tratos, de ser obligados a alimentarse con alimentos en mal estado… deciden sublevarse. Llena de imágenes expresivas, casi como un álbum fotográfico, El acorazado Potemkin representa la magnificación por la figura de las masas y las causas colectivas.

Estrenada en la primera década de la Revolución rusa (1925) constituye un rescate de la importancia del Potemkin en el proceso de la revolución fallida de 1905, antecedente de la rebelión de octubre de 1917.

Este film esta compuesto de cinco episodios:

Hombres y gusanos (Люди и черви)
Drama en el Golfo Tendra (Драма на Тендре)
El muerto clama (Мёртвый взывает)
La Escalera de Odesa (Одесская лестница)
Encuentro con la escuadra (Встреча с эскадрой).

Como el propio Eisenstein explica en el texto sobre la «Unidad orgánica y pathos en El acorazado Potemkin», incluido en el libro de Georges Sadoul sobre este film, la película está trabajada como un todo orgánico en el que cada uno de sus elementos funciona en pos de una composición que mantiene en su núcleo lo particular en función del todo. Cada una de las partes en las que puede ser dividida la cinta, es funcional en un nivel superior de lectura, es decir, en la generalidad. Por otra parte, el trabajo patético (pathos) en tanto que la sucesión y cambio constante en las cualidades de la acción, generan en el espectador una emoción que lo llevan a realizar mediante un proceso psicológico, una reflexión intelectual de acuerdo al tema propuesto.

En 1925 se le encargó al director Eisenstein el llevar a cabo esta obra para elevar el espíritu de la revolución social creada en 1917 por la revolución bolchevique.

El acorazado Potemkin es una obra que significa un nuevo aporte a la narración cinematográfica en términos de lenguaje visual. Tras la genialidad de Griffith en el trabajo de escala de planos, Eisenstein observa otra función que puede realizar la cámara, introduciendo inclinaciones de cámara que dan como resultado un énfasis o una sensación distinta en lo que se relata.

Por otro lado, se trata de una película que refleja el espíritu de la época en que es realizada, donde todo elemento es utilizado como propaganda para la legitimación ideológica de una revolución naciente. En este sentido es valorable la exaltación del hombre común, sobre todo del oprimido que decide romper sus cadenas.

Una de las escenas más famosas en la historia del cine pertenece a esta película, cuando los cosacos disparan contra el pueblo inocente1 para acabar con el apoyo a los rebeldes. En ese momento, una madre es alcanzada por una bala mientras corría con un coche de bebé que rodará escaleras abajo al morir la madre. Esta escena ha sido homenajeada por directores famosos, como Francis Ford Coppola en El Padrino, Brian De Palma en Los intocables de Elliot Ness, Woody Allen en Bananas, Terry Gilliam en Brazil, Peter Segal en la tercera entrega de Agárralo como puedas, George Lucas en su última entrega de Star Wars (aunque los soldados de asalto, en esta cinta, marchen subiendo las escaleras) e incluso en Los Simpson en dos situaciones, en una Homer rescatando al bebe y en otra, con una estética igual a la de la película, con Lisa lanzando a Maggie.

Battleship Potemkin (Russian: Броненосец «Потёмкин», Bronenosets Potyomkin), sometimes rendered as Battleship Potyomkin, is a 1925 silent film directed by Sergei Eisenstein and produced by Mosfilm. It presents a dramatized version of the mutiny that occurred in 1905 when the crew of the Russian battleship Potemkin rebelled against their officers of the Tsarist regime.

Battleship Potemkin has been called one of the most influential propaganda films of all time,[1] and was named the greatest film of all time at the Brussels World’s Fair in 1958.

The film is composed of five episodes:

“Men and Maggots” (Люди и черви), in which the sailors protest at having to eat rotten meat;
“Drama on the deck” (Драма на тендре), in which the sailors mutiny and their leader, Vakulinchuk, is killed;
“A Dead Man Calls for Justice” (Мёртвый взывает) in which Vakulinchuk’s body is mourned over by the people of Odessa;
“The Odessa Staircase” (Одесская лестница), in which Tsarist soldiers massacre the Odessans; and
“The Rendez-Vous with a Squadron” (Встреча с эскадрой), in which the squadron tasked with stopping the Potemkin instead declines to engage, and its sailors cheer on the rebellious battleship.

Poster of Battleship Potemkin

Eisenstein wrote the film as a revolutionary propaganda film,but also used it to test his theories of “montage”.The revolutionary Soviet filmmakers of the Kuleshov school of filmmaking were experimenting with the effect of film editing on audiences, and Eisenstein attempted to edit the film in such a way as to produce the greatest emotional response, so that the viewer would feel sympathy for the rebellious sailors of the Battleship Potemkin and hatred for their cruel overlords. In the manner of most propaganda, the characterization is simple, so that the audience could clearly see with whom they should sympathize.

Eisenstein’s experiment was a mixed success; he “was disappointed when Potemkin failed to attract masses of viewers”, but the film was also released in a number of international venues, where audiences responded more positively. In both the Soviet Union and overseas, the film shocked audiences, but not so much for its political statements as for its use of violence, which was considered graphic by the standards of the time. The film’s potential to influence political thought through emotional response was noted by Nazi propaganda minister Joseph Goebbels, who called Potemkin “a marvelous film without equal in the cinema … anyone who had no firm political conviction could become a Bolshevik after seeing the film.The film was not banned in Nazi Germany, although Himmler issued a directive prohibiting SS members from attending screenings, as he deemed the movie inappropriate for the troops.

This is a public domain video.

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